» » » » Teoria instituțională a artei

Teoria instituțională a artei

postat în: Artă, Estetica | 0

Marcel Duchamp, Fountain(Marcel Duchamp, Fountain, 1917. Fotografia de Alfred Stieglitz)

Teoria instituțională a artei este o teorie cu privire la natura artei care susține că un obiect poate fi (sau deveni artă doar în contextul instituției cunoscute sub numele de „lumea artei”.

Abordând obiectul artei, de exemplu arta „readymade” a lui Marcel Duchamp (obiecte obișnuite fabricate pe care artistul le-a selectat și le-a modificat ca antidot la ceea ce el a numit „arta retinei”, prin simpla alegere a obiectului și repoziționarea sau asocierea sa), sau de ce o grămadă de cartoane într-un supermarket nu este artă, în timp ce faimoasul Brillo Boxes (un teanc de replici de carton Brillo) al lui Andy Warhol este artă, filosoful Arthur Danto a scris în eseul său din 1964, „The Artworld„:

”Pentru a vedea ceva ca artă este nevoie de ceva pe care ochiul nu îl poate descoperi – o atmosferă de teorie artistică, o cunoaștere a istoriei artei: o lume a artei.”

Conform lui Robert J. Yanal, eseul lui Danto, în care a inventat termenul artworld a dezvoltat prima teorie instituțională a artei.

Versiunile teoriei instituționale au fost formulate mai explicit de George Dickie în articolul său „Definirea artei” (American Philosophical Quarterly, 1969) și cărțile lui Estetica: Introducere (1971) și Artă și estetică: Analiza instituțională (1974). O versiune timpurie a teoriei instituționale a lui Dickie poate fi rezumată în următoarea definiție a operei de artă din Estetica: Introducere:

”O operă de artă în sensul clasificator este 1) un artefact 2) căruia o persoană sau mai multe persoane care acționează în numele unei anumite instituții sociale (lumea artelor) i-a conferit statutul de candidat pentru apreciere.”

Dickie și-a reformulat teoria în câteva cărți și articole. Alți filosofi ai artei au criticat definițiile sale ca fiind circulare.

În Artworld, Arthur Danto a stabilit o istorie a modului în care istoria artei trebuie să-și schimbe teoriile despre ceea ce ar fi trebuit să fie relativ la obiectele noi. El a spus: „Să presupunem că cineva se gândește la descoperirea unei întregi noi clase de artă ca ceva asemănător cu descoperirea unei întregi noi clase de fapte oriunde, respectiv ceva ce teoreticienii să explice”, și a menționat trecerea de la teoria imitației în artă, când a apărut post-impresionismul. El a continuat: „Să presupunem că testele arată că aceste ipoteze nu reușesc să susțină că teoria, care nu se mai poate salva, trebuie înlocuită. Și o nouă teorie este elaborată, capturând ce poate din competența vechii teorii, împreună cu faptele recalcitrante de până acum.” Acesta a fost modul în care Danto a pus bazele unei alte rearanjări estetice.

În 1913, Marcel Duchampse întreba: „Ce este arta?” Dacă „ceva”, chiar și o roată de bicicletă, chiar un raft de sticle, chiar un pițoar, ar putea fi „artă” pot „secțiile” artei să fie protejate de „non” sau „ne” arta?

Artiștii Neo-Dada și Pop au început să (re)facă obiecte obișnuite. Danto a abordat rezultatele cu prudență. Pe de o parte a fost suficientă intervenție artistică – Jasper Johns a pictat, Robert Rauschenberg a aruncat vopseaua pe un pat, Claes Oldenburg a construit un pat în formă de romboid – pentru a face aceste obiecte „artă” în sensul tradițional. Dar Danto avea îndoieli: „Ce, la urma urmei, împiedică creația lui Oldenburg să fie un pat rătăcit? Acest lucru este echivalent cu întrebarea ce face arta, iar cu această interogare intrăm un domeniu de anchetă conceptuală”

Danto concluzionează:

”Ceea ce face diferența între o cutie Brillo și o lucrare de artă constând dintr-o cutie Brillo este o anumită teorie a artei. Este teoria care o duce în lumea artei și o împiedică să se prăbușească în obiectul real pe care îl reprezintă (într-un sens este altul decât cel al identificării artistice). Bineînțeles, fără teorie, este puțin probabil să o vedeți ca artă și, pentru a o vedea ca parte a lumii artei, trebuie să fi învățat o mare parte a teoriei artistice, precum și o cantitate considerabilă din istoria recentelor picturi din New York. Nu ar fi putut fi artă cu cincizeci de ani în urmă.”

Pentru filozof, artistul și publicul sunt elementele necesare ale cadrului instituțional. Artistul este conștient de faptul că ceea ce produce este arta și publicul este conștient că la ceea ce se uită el este artă. În plus , esteticianul  George Dickie numește actori „suplimentari”: critici, curatori, profesori, directori și dealeri, toți care fac parte din instituție. Toți acești agenți și actele lor sunt guvernați de reguli (convenții).

Lasă un răspuns

Adresa ta de email nu va fi publicată. Câmpurile obligatorii sunt marcate cu *